Análisis de Películas

12 AM | 15 Mar

“La conversación”

“La conversación”: cuando Gene Hackman brilló dirigido por Francis Ford Coppola

Su interpretación de un solitario y reservado experto en vigilancia lo consagró como protagonista de un clásico del cine paranoico y conspirativo, estrenado en 1974, en pleno destape del caso Watergate

PorTy Burr

El grado de vigilancia dependerá de adónde vayas, de los sitios web que visites y, tal vez, de tu nivel personal de paranoia. Pero estás siendo vigilado por cámaras de circuito cerrado en autopistas, tiendas y calles; por navegadores de Internet que introducen cada clic en una base de datos de algoritmos de consumo; y por asistentes digitales en tu teléfono y en tu cocina que funcionan esencialmente como escuchas consentidas.Puede que incluso por el propio ordenador en el que estás leyendo esto. Adelante, cubre la cámara de tu portátil con cinta aislante como el geek que da miedo en tu empresa.

O como Harry Caul. Harry lo sabía. No quería creerlo al principio de La conversación, la película de 1974 de Francis Ford Coppola sobre el futuro estado de vigilancia. Pero lo sabía perfectamente en la escena final, sentado entre los escombros del apartamento que acaba de destrozar en busca de un micrófono. No ha encontrado nada, pero eso no es una prueba: lo sabe, y Coppola recorre la escena de un lado a otro con el inquietante ritmo robótico de una cámara de circuito cerrado de televisión. Le están observando. ¿Por quién? No importa.

Gene Hackman interpreta a Harry, un experto en vigilancia -el mejor en su campo, nos dicen- y un hombre borroso que haría cualquier cosa por hacerse invisible. La conversación fue la película que Coppola intercaló entre El Padrino (1972) y El Padrino, parte II (1974), una obra maestra minimalista que fue alabada en su momento e incluso ganó el primer premio en Cannes, pero que quedó a la sombra de la segunda epopeya de los Corleone. Ahora, medio siglo después, La conversación ha sido restaurada en imagen y sonido para su reestreno en cines y su eventual reaparición en soporte digital. Se estrenó el 7 de abril de 1974, pocos días antes de que el Comité Judicial de la Cámara de Representantes citara las cintas de la Casa Blanca de Nixon, grabadas con el mismo tipo de equipo utilizado por Harry Caul en la película.

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12 AM | 06 Mar

Hannah Arendt, próximo día 12 a las 18 horas.

Hannah Arendt, filósofa, pensadora y periodista, judía y exiliada en los Estados Unidos, estuvo durante cuatro años (entre 1960 y 1964) marcada por la controversia mientras estuvo trabajando y escribiendo un informe sobre el proceso Adolf Eichmann, un criminal de guerra nazi muy popular que fue arrestado por los israelíes en Argentina y más tarde fue juzgado y condenado a muerte en Jerusalén.

Arendt escribió el ensayo a lo largo del proceso, titulado Eichmann en Jerusalén: informe sobre la banalización del mal. Esta fue la primera de toda una serie de textos que fueron apareciendo en The New Yorker antes de que tomaran forma y se unieran en un libro. Este informe inmediatamente provocó un escándalo internacional.

La directora alemana Margarethe von Trotta (El honor perdido de Katharina Blum) escribe y dirige esta película protagonizada por Barbara Sukowa (Rosa Luxemburg), en la piel de Hannah Arendt, Axel Milberg, Janet McTeer (Tumbleweeds) y Julia Jentsch (Sophie Scholl. Los últimos días).

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11 AM | 03 Mar

VIOLETTE, PRÓXIMO MIERCOLES 18 HORAS.

 El guion es del propio director conjuntamente con Marc Abdelnour. Este filme narra el entorno de la novelista Violette Leduc (1907-1972) y su relación con Simone de Beauvoir que terminará marcando el rumbo literario de aquella. Claro está que, una vez consultado, hay varias distancias entre la realidad y lo narrado en el filme, pero esto es un derecho del director-guionista con tal de que logre hacer una buena película. Debo señalar que la cinta tiene muchos méritos estéticos, como el vestuario, un buen manejo de cámaras que se evidencia en los espacios cerrados, una acertada banda sonora, una actriz principal poderosa (aunque en ciertos momentos, la actriz que interpreta a Simone, por su juventud difícil de ocultar, no logra asimilar a la gran ensayista francesa en su madurez). Frente a la trama, considero que la mirada que nos ofrece, algo superficial y distante, ayuda a tener una noción general de Violette y las luchas feministas de su momento, sin caer en el cine-político ni mucho menos en el cine-género. Resalto, para reflexiones del espectador, el valor que es homenajeado en la película: la amistad agónica, aquella que se construye reconociendo los ires y venires de las personas, esto es, cimentadas sobre una filia no utópica sino humana. Simone pasa no como una Mecenas de Violette, cosa que implicaría relaciones de poder a la que ambas deseaban escapar, sino por una amistad construida en la entrega total y el desapego necesario. Es por ello que consideré, en su momento, que si bien las escenas giran alrededor de una Violette angustiada y con problemas de autoestima, la historia realmente tiene su centro es en Simone. Así las cosas, la recomiendo al espectador que exige un buen cine frente a sí.
«Resalto, para reflexiones del espectador, el valor que es homenajeado en la película: la amistad agónica, aquella que se construye reconociendo los ires y venires de las personas, esto es, cimentadas sobre una filia no utópica sino humana. Simone pasa no como una Mecenas de Violette, cosa que implicaría relaciones de poder a la que ambas deseaban escapar, sino por una amistad construida en la entrega total y el desapego necesario».
La biografía de Violette Leduc no puede tener tintes más dramáticos pero a la vez pese a que no fueron sus objetivos, estar cargada de aire fresco para las feministas de los años 60.
Está muy conseguido el ambiente pobre, marginal, de la Francia de la guerra y la de la postguerra. Una Francia sin ningún atisbo de grandeur, oscura, lúgubre donde sobrevive Violette que ha tenido que como muchos franceses dedicarse al mercado negro. El apoyo de la escritora del Segundo Sexo, Simone de Beauvoir resulta muy interesante como contenido. Sólo les une la escritura. Violette es atormentada, un tanto desequilibrada, impulsiva, sin formación, sin embargo la iniciadora del feminismo francés de los 50 es disciplinada, culta, templada de ánimos. Sin embargo les une la escritura y esta tensión entre ellas está bien descrita. El feminismo de Violette sin ella saberlo es lo que atrae a la laureada escritora. Preocupada por la presencia de las mujeres en la vida pública en todas sus manifestaciones la amadrinará porque confía en su valía. Los temas prohibidos como el aborto, la vida sexual de las mujeres contada por ellas mismas, la bisexualidad encontrará espacio en la escritura de Violette y ésta además de encontrar un espacio de expresión para su vida atormentada le hará conectar con tantas mujeres de los años 60 que deseaban oír su problemática contada por una de ellas.
El tema de la autoestima, la falta de amor, el anhelo por sentir a hombres o mujeres, de recibir cariño estará presente toda su vida como una carencia que le determina como persona.
La tensión se consigue en toda la película, en algunos puntos, la descripción de la marginalidad de su vida nos lleva al momento histórico, en otros nos atrae la relación con su “madrina”, en otros la relación con escritores como Jean Genet, con su madre. Por lo tanto muy atractiva para ver y demuestra que se pueden hacer muy buenas películas basadas en la Literatura.
Andrés Botero-Afri
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09 AM | 22 Feb

LUNDI MATIN, JUEVES 27

El director franco-georgiano Otar Iosseliani (Les Favoris de la Lune) esboza una tenue esperanza de vida en un mundo contemporáneo plagado de nihilismo y rendición. Su personaje principal, Vincent (Jacques Bidou) tira su insípida vida por la borda para ir a conocer Venecia y montar camellos en algún otro lugar exótico. En el marco de esta triste premisa (porque Vincent después de todo tiene que regresar) Iosseliani desarrolla está simpática comedia francesa con un humor basado en el espacio y la circunstancia, más que en chistes sosos y gastados.

FICUNAM( festival de cine independiente nacional e internacional de corte autoral que se realiza en la Ciudad de México). eligió esta comedia del 2002 como parte de su oferta y se puede considerar como un ligero homenaje de Iosseliani hacia Jacques Tati y su desdén por el mundo moderno. Vincent se despierta todos los días a las seis de la mañana, se baña si toca ese día (ya saben como es en el Viejo Mundo), calza sus “crocs” de la puerta al carro donde los deja en la tierra y toma el camión hacia el trabajo donde al final disfruta un cigarro por veinte segundos en lo que llega a la puerta de la fábrica.

Una vez dentro de la fábrica es ruido, polvo químico y reglas. En un momento “chaplinesco”, Vincent utiliza sus habilidades de soldador para regalarle una rosa de metal a una compañera; nos podemos suponer, de los contadísimos momentos agradables en ese lugar. La vida en casa después de las cinco de la tarde tampoco es mucho mejor; con una esposa que hostiga y unos hijos que ignoran, Vincent lo único que quiere es relajarse y pintar, pero batalla en encontrar más de cinco minutos para complacerse.

Cierto día, antes de apagar su cigarro y entrar a la fábrica, Vincent decide acabárselo y no entrar. A pesar del irónico comentario general de que la vida después de los cuarenta apesta, el tono casual y relajado de Iosseliani hace más por divertirlo a uno que por deprimirlo; un ecléctico reparto de habitantes del pintoresco pueblito francés también añade al regocijo que se puede encontrar en esta comedia circunstancial.

Son tantos los personajes y situaciones en Lundi Matin que hay amplio uso de mise en scène; sucesos distintos ocurriendo dentro del mismo cuadro, o una escena termina mientras la otra empieza dentro de la misma toma; Iosseliani atiza correctamente con un guión fresco y dinámico que aligera la carga de los 122 minutos de proyección.

El director de ochenta años (setenta en aquel entonces) se presenta en un cameo como un reducido aristócrata italiano afanoso en sostener su fachada de realeza con alfileres; un comentario triste considerando que el director nunca ha alcanzado el reconocimiento internacional que se merece…nadie escapa sus mordaces parodias.

 

 

 

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11 PM | 14 Feb

ADIOS TIERRA FIRME

Seguramente muchos cinéfilos conocen el cine de otra Iosseliani de oídas o mejor de leídas, puesto que en informaciones de revistas sabían de la obra de este cineasta casi siempre presente en los festivales. Pero en nuestro país nada se había estrenado. Hace un tiempo se pudo ver en un pase-sorpresa por La 2 un filme suyo, Los favoritos de la luna. También en algunos de nuestros pequeños festivales se exhibió alguno que otro de sus filmes. Parece ser que en la próxima edición de San Sebastián se le va a realizar un retrospectiva de toda su obra.

En esta película francesa firmada por este cineasta nacido en Tbilisi-Georgia (la misma ciudad donde Stalin fue seminarista) de fuertes ideas marxistas, pero después desencantado, exiliado adoptado galo, se presenta una vez más un tema muy querido por el cine de nuestro país vecino: el fustigamiento de la familia burguesa y el elogio de la vida natural, de la vida de la gente corriente de la calle y la exaltación (¿anarquista?) de los “clochards” de los mendigos profesionales. Es una película de interpretación coral, de múltiples personajes, con un sentido del humor muy francés,  que a veces se escapa al espectador y que incide sobre todo en la vida de los adolescentes y los jóvenes. El título ¡Adiós, tierra firme! (expresión tomada de la conversación común de los marineros que se sienten felices al abandonar el puerto y luego echan de menos las comodidades y los placerse de la tierra firme) se refiere a esos deseos de ruptura de los adolescentes hacia la vida fácil que le ofrece su familia protectora, pero cuyas amarras nunca llegan del todo a romper y que a la postre se convierten en seguro salvavidas cuando las cosas se ponen feas o cuando el cansancio de la novedad les hacen regresar al vilipendiado pero calentito hogar paterno.

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